The Art Master

Gustave Klimt

Nascita: 14.7.1862, Baumgarten.
Decesso: 6.2.1918, Vienna.

Gustave Klimt, il maestro, l’astro e l’autore della secessione viennese, dell’Art Nouveau e del Ver Sacrum, la Primavera Sacra, con i suoi dipinti, con le sue allegorie, con il suo oro e con le sue donne ha attraversato l’universo e la sensualità femminile e i cicli del divenire discorrendo tra Eros e Thanatos dalla Femme Fatale alla Grande Madre. Gustav Klimt, il “Frauenversteher, colui che nel corso della sua carriera ha dipinto oltre cento volti femminili trasformandoli in vere icone dell’universo donna, nasce il 14 luglio 1862 nell’allora impero di Austro-Ungarico, da Ernst Klimt, orafo e da Anna Finster, sotto il segno del Cancro e della Luna, gli archetipi della Grande Madre e della vita intrauterina. L’arte di Klimt si caratterizza per i continui rimandi alla sessualità, all’eros e ai cicli vitali. A volte è la femme fatale, la Lilith primigenia, ben presente nel cielo dell’artista, altre volte, in analogia con il segno del Cancro, è una figura materna. Comunque Klimt non ha alcun timore nel rappresentare il piacere sessuale. Le sue donne, benevoli o fatali che siano, si abbandonano all’atto e all’estasi sessuale senza alcuna inibizione. Giuditta, Danae, il Fregio di Beethoven, le Bisce, le Vergini, i Pesci d’Oro, il Bacio, la Speranza e la Sposa ne sono una testimonianza. Adele Bloch-Bauer, la moglie del barone Ferdinand Bloch, la musa, la mecenate e forse anche l’amante dell’artista viennese è la Giuditta. L’eroina biblica che sedusse e uccise il generale Oloferne. Sia il cielo di Gustave che quello di Adele sono segnati da una immanente Lilith, il principale significatore astrale dell’eros femminile, archetipo di una figura femminile ammaliatrice, oscura e pericolosa. Non c’è da stupirsi che Adele Bauer sia del Leone, il segno dell’oro, della polvere della stelle. La sua immagine provocatoriamente seminuda, enigmatica, sensuale, pericolosa viene difatti consacrata in una colata d’oro, al pari delle immagini sacre nei mosaici bizantini, divenendo così una icona, la Monna Lisa d’Austria. E’ invece della Vergine Emilie Flöge, la stilista viennese, la già cognata del fratello Ernst Klimt, la Musa del “Bacio”, l’opera in cui Klimt non solo celebrò l’amore ma mise in pace l’universo maschile con quello femminile attraverso una estatica sensualità. Il dipinto (1907-1908) pur mettendo in risalto le rispettive differenze di genere attraverso il linguaggio dei simboli e degli archetipi più arcaici – gli organi sessuali maschili e femminili vengono rispettivamente rappresentati attraverso figure geometriche spigolose o scure gli uni o attraverso spirali o fiori gli altri - fonde in “uno” i due amanti. I “Cieli” di Gustave e Emilie si correlano attraverso gli archetipi astrali della “Luna” e della “Venere”, rispettivamente simboli della “Grande Madre” e dell’Amore puro, incondizionato. Non c’è dunque da meravigliarsi che la talentuosa ed indipendente stilista viennese, creatrice di mode, sia stata la compagna del maestro per 27 anni nonostante le innumerevoli avventure ed amanti di lui, con oltre ben 14 figli non riconosciuti con donne diverse. E’ proprio in correlazione agli importanti transiti di Saturno nei Pesci, Kronos il “Tempo” e dei Nodi Lunari, significatori di un percorso evolutivo, che Klimt nel 1905 realizza la sua opera dedicata alla rappresentazione delle “Tre età della donna”, implicita evocazione dei cicli vitali e della precarietà della bellezza. E non è un caso che mentre la Luna sia il principale archetipo della grande madre oltre che della vita intrauterina, Saturno, il tempo sequenziale sia il signore astrale delle tre età principali: la giovinezza, la maturità e la vecchiaia. E’ nel fregio dell’”albero della vita ”(1905) e così ancora nel dipinto dedicato alla “Morte e alla Vita” (1908/1915) che si compie il messaggio contenuto in quel Saturno natale, amplificato da Giove (il potere divino), proprio nella Vergine, il segno ed il senso del limite. E’ proprio attraverso Kronos (Saturno) che l’uomo può comprendere il senso della vita e la circolarità dell’esistenza. Eros e Thanatos sono strettamente connesse. Klimt in ogni sua opera non solo esalta la bellezza, la sacralità della sensualità femminile, ma sottolinea il ciclo della vita, quel ciclo ininterrotto che conduce dalla morte alla rinascita. La gioia della vita sta paradossalmente nella sua stessa impermanenza. Il tempo è sacro (Giove e Saturno in congiunzione). Così è sempre attraverso “Danae”, in quel rapporto dialettico tra una onirica ed estatica Luna nei Pesci e il Giove posizionato sull’altra metà del Cielo dell’artista, nel segno della Vergine, che si manifesta in una scrosciante pioggia dorata tra le sue gambe l’immanenza feconda della forza divina. Nell’opera, effige del concepimento di Perseo da parte di Zeus e della principessa Danae, Klimt imprime forza divina all’estasi femminile e al momento del concepimento in analogia con i valori delle sue natali Luna, Venere e Lilith.

“Io non mi interesso della mia persona come oggetto di pittura, mi interessano di più le altre persone, soprattutto se di sesso femminile, ma ancora di più mi interessano altre forme.””

E’ indubbio che tutto percorso artistico e creativo di Klimt sia stato comunque segnato da una sorta di agenda celeste. E’ durante gli importanti transiti del 1909 di Giove, Spazio e Saturno, Tempo sui punti più sensibili della sua carta del cielo che Gustave Klimt entrò in una nuova dimensione creativa passando dal cosiddetto “Periodo d’Oro” a quello chiamato della maturità. Anche l’adesione alla “Secessione viennese” e alla “Primavera Sacra” trova pieno riscontro nei valori Uraniani, ben presenti nel tema astrale di Klimt. Il cielo dell’artista si caratterizza vistosamente per la grande congiunzione tra Urano, Venere, Lilith e Nodi Lunari, rispettivamente simboli di libertà creativa, di bellezza, di eros primigenio e di valori arcaici, il tutto, nel segno dei Gemelli, il campo della comunicazione (il Ver Sacrum, il periodico – manifesto dei Secessionisti). Il tipo “Uraniano”, il prometeico, non ha alcuna esitazione nel rubare il fuoco agli dei per donarlo agli uomini. La sua azione, la sua arte, deve essere posta al servizio di un ideale e di uno scopo. Tale missione celeste si rafforza ulteriormente nella forte congiuntura tra Marte e Nettuno nel segno dell’Ariete, rispettivamente archetipi di azione e di elevato idealismo. Nelle due sue versioni di “Nuda Veritas” (1898-1899) Klimt riporta dapprima una citazione di Shefer, “La verità è fuoco e parlare di verità significa illuminare e bruciare”, eppoi la frase di Friedrich Shiller “ Non puoi piacere a tutti con la tua azione e la tua arte. Rendi giustizia a pochi. Piacere a molti è male.” Emblematica a riguardo fu l’esecuzione delle tre allegorie delle 3 facoltà di “Filosofia, Medicina e Giurisprudenza” su incarico del Ministero della Cultura. Klimt non esitò a realizzare una composizione grandiosa e metafisica ricca di fluttuanti corpi umani, di forze elementari e di insondabili potenze, in cui al caos veniva data sinfonia. E così mentre tra i colleghi e i critici progressisti vi fu chi ammirò l’estrema modernità del messaggio e la sua chiave simbolista, altri la definirono incomprensibile o scandalosa, se non di offesa al comune senso del pudore. Articolo di Umberto Ciauri tratto dal Magazine d'arte The Art Master".

“Chi sa vedere le cose belle è perché ha la bellezza dentro di se. …tutta l’arte è erotica”

Gustave Klimt